Hagiográfica

La hagiografía viene del griego: ἅγιος, «santo», y γραφή, que significa «escritura» es la historia de las vidas de los santos. Al autor o practicante de la hagiografía se le denomina hagiógrafo. Se denomina también como hagiógrafoa cualquier autor de los libros de la Sagrada Escritura, y, en la Biblia hebrea, a cada libro de la tercera parte.

Rue de Bellechase

La Rue de Bellechasse es un canal ubicado en el distrito VII de París. Comienza al norte rue de Lille y termina al sur Rue de Varenne.

Extrapolación

De extrapolar, significa aplicar un criterio conocido a otros casos similares para extraer conclusiones o hipótesis.

Nimia

Nimio / Nimia quiere decir que tiene muy poca o ninguna importancia.

Ragtime

Ragtime abreviatura de ragged-time, significa «tiempo rasgado», es un género musical estadounidense que se popularizó a finales del siglo XIX derivado de la marcha, caracterizado por una melodía sincopada y un ritmo acentuado en los tiempos impares (primer y tercero).

El ragtime es el resultado de integrar la marcha en el estilo de John Philip Sousa con los polirritmos africanos, por lo que usualmente lleva un metro de 2/4 o 4/4 con un patrón de bajo en la mano izquierda en los tiempos impares y acordes en los tiempos pares, acompañado de una melodía sincopada en la mano derecha. Sin embargo existen ragtimes compuestos en cualquier metro, en particular, un ragtime con un metro de 3/4 se conoce como un «vals ragtime».

La característica que define a la música de ragtime es un tipo particular de sincopa en la que los acentos de la melodía se encuentran entre acentos, resultando en una melodía que parece evitar ciertos tiempos del acompañamiento al poner énfasis en notas que anticipan o aparecen después del acento; el efecto final (y deseado) en el oyente es, de forma paradójica, el de reforzar el acento. Scott Joplin conocido como el «rey del ragtime» dijo de tal efecto ser «extraño e intoxicador».

Es una de las primeras formas musicales verdaderamente estadounidenses y una de las influencias en el desarrollo del jazz. Su principal compositor fue Scott Joplin, quien saltó a la fama tras la publicación en 1899 del Maple Leaf Rag, el cual, junto con otros éxitos posteriores, contribuyó a definir la forma conocida como ragtime clásico, con una armonía, estructura y métrica particular, en contraste con las formas más primitivas de ragtime caracterizadas por una mayor flexibilidad.

Ubicuidad

La ubicuidad es la capacidad de estar presente en todas partes al mismo tiempo. Se conoce como la facultad que presenta una determinada persona para estar presente en dos lugares distintos y al mismo momento. La palabra ubicuidad es de origen latín “ubique” que significa “en todas partes”.

En el ámbito de la teología, el término ubicuidad se refiere al don divino, que posee Dios, de estar al mismo tiempo en todas partes. En el ramo de la religión, ubicuidad es un sustantivo femenino que es empleado para transmitir omnipresencia, y esta cualidad es atribuida hoy en día para ciertos santos milagrosos que como Dios tienen la facultad de estar en más de un sitio a la vez. 

El término ubicuidad es utilizado como sinónimo de omnipresencia, universalidad, generalidad, etcétera.

Oscar Peterson

Oscar Peterson nació en Montreal el 15 de agosto de 1925, fue un pianista canadiense de jazz. Su estilo (formado durante los años 40's) como en el caso de otros pianistas como Erroll Garner y George Shearing, oscila entre el swing y el bop y se engloba dentro de la tendencia clasicista o tradicional del jazz. Seguidor de Art Tatum, se trata de un pianista acústico de gran técnica, con una destacable capacidad para tocar con velocidad y con una gran habilidad para el swing, independientemente del tempo de ejecución. Peterson fue también compositor, escribió y grabó "Canadiana Suite" en 1964. Varias de sus propias obras las ha grabado con piano eléctrico. 

Oscar tuvo sus primeras experiencias musicales serias tocando con la orquesta de Johnny Holmes. De 1945 a 1949, grabó 32 temas para Victor en Montreal. Se trata de interpretaciones en trío que muestran a un Peterson cómodo con el boogie-woogie, del que se apartaría pronto y con el estilo próximo al swing de Teddy Wilson y Nat King Cole. En 1950 grabó una serie de dúos teniendo como compañeros en el contrabajo a Ray Brown y a Major Holley. Su versión de "Tenderly" se convirtió en un éxito. Su fama se acrecentó en 1952 cuando formó un trío con el guitarrista Barney Kessel y Brown. Kessel fue reemplazado más adelante por Herb Ellis. Este trío fue uno de los grupos de jazz más importantes entre 1953 y 1958. En 1958, cuando Ellis abandonó el grupo, se decidió prescindir de la guitarra y se unió un batería: Ed Thigpen. Otras versiones del trío contaron con baterías como Louis Hayes, Bobby Durham, Ray Price, y con bajos como Sam Jones y George Mraz.

En 1960, Peterson creó la Advanced School of Contemporary Music en Toronto. Grabó su primer disco en solitario en 1968. Durante su estancia en el sello de Granz, trabajó con el guitarrista Joe Pass y el bajo Niels Pedersen. Apareció en docenas de grabaciones con otras estrellas, hizo cinco discos en dúo con importantes trompetistas (Dizzy Gillespie, Roy Eldridge, Harry "Sweets" Edison, Clark Terry y Jon Faddis), y tocó con Count Basie en duelos pianísticos.

Perpignan

Perpiñán (en francés Perpignan) es una ciudad del sudeste de Francia, a orillas del curso inferior del río Têt. Capital del departamento de los Pirineos Orientales, en la región de Languedoc-Rosellón y capital histórica del Rosellón. Perteneció a España hasta 1659 cuando las monarquías española y francesa firmaron el Tratado de los Pirineos. Tenían 129,925 habitantes en 2009 y más de 310,000 en la mancomunidad de municipios "Perpiñan Mediterráneo" que la circundan. El área metropolitana tiene casi 500,000 habitantes lo que la convierte en la segunda ciudad por población de la región de Languedoc-Rosellón tras Montpellier.

En los últimos años la ciudad se ha promovido con el eslogan Perpignan la Catalane / Perpinyà la Catalana. En 2008 fue distinguida como Capital de la Cultura Catalana. Es un importante mercado agrícola (frutas, verduras, aceite de oliva, vino y cereales). Fábricas textiles, de material ferroviario y de papel. Desde enero de 2013, Perpiñán conecta el resto de Francia y España mediante la línea de alta velocidad Madrid-Barcelona-París.

Kenny Clarke

Kenneth Spearman Clarke nacido el 9 de enero de 1914 en Pittsburg fue un baterista estadounidense de jazz.

Músico altamente influyente que ayudó a definir la batería dentro del bebop. Fue el primero en cambiar el ritmo que controlaba la entrada y salida desde el tambor bajo hacia elcímbalo, una innovación que ha sido copiada y utilizada por un número incontable de baterías desde principios de la década de 1940.

Durante su etapa escolar, Clarke tocaba el vibráfono, el piano y el trombón, además de la batería. Tras tocar con Roy Eldridge (1935) y la Jeter-Pillars band, Clarke se unió a la Big Band de Edgar Hayes (1937-1938). Hizo su grabación de debut con Hayes y demostró ser uno de los baterías con más swing de la época. Una gira europea con Hayes le proporcionó a Clarke la oportunidad de liderar su propia sesión. Siguieron colaboraciones con las orquestas de Claude Hopkins (1939) y Teddy Hill (1940-1941) y después dirigió la banda del Minton's Playhouse (en la que estaba Thelonious Monk).

Las legendarias sesiones after-hours estuvieron llenas de bop y fue durante esta época que Clarke modernizó su estilo y recibió el apodo de "Klook-Mop" (más tarde abreviado como "Klook") debido a las 'bombs' irregulares que tocaba más allá de los solistas. Batería flexible, Clarke tuvo todavía la posibilidad de participar con las orquestas tradicionales de Louis Armstrong y Ella Fitzgerald (1941), y con los combos de Benny Carter (1941-1942), Red Allen and Coleman Hawkins. También grabó con Sidney Bechet. Sin embargo, tras su servicio militar, Clarke se centró en el campo del bebop, trabajando con la big band de Dizzy Gillespie y dirigiendo su propia sesión moderna. Co-escribió "Epistrophy" con Monk y "Salt Peanuts" con Gillespie. Clarke trabajó a finales de la década de 1940 en Europa, estuvo con Billy Eckstine en Estados Unidos en 1951 y fue miembro original del Modern Jazz Quartet (1951-1955). No obstante, se sintió demasiado atado a su música y abandonó el Modern Jazz Quartet para trabajar de forma libre, participando en multitud de grabaciones durante 1955 y 1956, sobre todo con Miles Davis.

En 1956, Clarke se marchó a Francia donde se asentó, colaboró con todas las estrellas americanas que se acercaron de gira a Europa y tocó con Bud Powell y Oscar Pettiford en un trío llamado The Three Bosses (1959-1960). Clarke fue co-líder con Francy Boland de una legendaria big band, el Kenny Clarke/Francy Boland Big Band, formada por grandes estrellas (1961-1972). Después de 1968, Kenny Clarke trabajó durante 10 años con el clarinetista y compositor francés Jean-Christian Michel.

Ella Fitzgerald

Ella Fitzgerald nació el 25 de abril de 1918 en Newport, Virginia. La mayor parte de su infancia transcurrió en un orfanato de Nueva York. Antes de dedicarse a cantar se afanó en el baile con el nombre de Caderas de Culebra Fitzgerald. Con una personalidad tímida, con una discreta vida personal, se consagró esencialmente al perfeccionamiento de su arte.

Fue descubierta con dieciséis años en Harlem cuando cantaba en un espectáculo para jóvenes talentos, lanoche de amateurs en el mítico teatro Apollo (poco antes había sido abucheada al cantar en otro teatro de aficionados, al parecer marcando para siempre su personalidad con un gran miedo al fracaso en público). En el Apollo ganó un premio de 25 dólares y fue vista por el miembro de una reputadísima orquesta, la banda de Chick Webb, un batería que la adoptó musicalmente y también en el sentido estricto de la palabra, firmando un papel para ser su padre adoptivo. Entre 1934 y 1939 cantó con la Chick Webb Band, grupo que dirigió durante un tiempo tras la muerte de su líder en 1939. A mediados de los años cuarenta, trabajó con el empresario estadounidense Norman Granz y viajó por Europa y Asia con su Jazz at the Philharmonic.

Formó parte del triunvirato completado por Billie Holidayy Sarah Vaughan, las tres voces femeninas más importantes del jazz. Improvisadora sorprendente, dominadora del "scat" y con una voz capaz de afrontar cualquier reto, desde el Night and Day de Cole Porter al Someone to watch over me de George Gershwin. Sus composiciones incluyen 'Oh, But I Do' y 'You Showed Me the Way', entre otras. En 1958 actuó junto con el compositor estadounidense de jazz Duke Ellington en el Carnegie Hall de Nueva York. Envejeció artísticamente con elegancia: su voz perdió dulzura pero no claridad de pronunciación, control del material, entonación o sentido del ritmo. De sus últimas apariciones destacan el concierto que ofreció en 1985, con motivo del Kool Jazz Festival, en el Carnegie Hall. En 1986 su carrera se resintió gravemente a causa de una operación a corazón abierto, y sólo volvió a cantar en público en contadas ocasiones, como en los festivales de jazz de Nueva York y Montreal en 1987 y otras apariciones en 1990. Vivió dos años en Dinamarca durante la época de explosión de los clubes de jazz en Europa. Tras su primer divorcio, se había casado en 1948 con el bajista de jazz Roy Brown, con quien tuvo un hijo. Posteriormente se casó con el danés Thor Einar Larsen.

Ella Fitzgerald falleció el 15 de junio de 1996 en su casa de Beverly Hills (California), rodeada de su familia. Fitzgerald vivía recluida en su domicilio desde tres años atrás. Sufría de diabetes, y en 1993 le fueron amputadas las dos piernas. Su legado pervive a través de los 250 discos que grabó y sus 13 grammys, que la convirtieron en la artista de jazz con mayor número de esos galardones en su haber.

Francmasonería

Sociedad secreta de ámbito internacional y estructura jerárquica basada en la fraternidad entre sus miembros, los cuales se agrupan en logias y hacen uso de ritos y signos emblemáticos.

Art Tatum

Art Tatum nació en Ohio el 13 de octubre de 1909 fue un pianista estadounidense de jazz. Considerado como uno de los más importantes músicos de la historia del jazz, es especialmente reconocido por su virtuosismo en el piano y sus improvisaciones creativas.

Art Tatum sufrió desde su nacimiento de cataratas, que lo dejaron ciego de un ojo y con una visión muy limitada en el otro, a pesar de lo cual aprendió a tocar el piano copiando grabaciones que tenía su madre, y tocaba de oído a la edad de tres años. A los 6 era capaz de tocar canciones que habían sido interpretadas originalmente como dúos, sin saber él que habían de ser tocadas por dos intérpretes, lo que hizo que desarrollara una velocidad extraordinaria sin perder nada de precisión.

Pianista desde su juventud, tocó profesionalmente en Ohio, especialmente en el área de Cleveland, antes de trasladarse a Nueva York en el año 1932. Tatum se inspiró en sus contemporáneos James P. Johnson y Fats Waller, que eran abanderados del estilo pianístico conocido como stride. A partir de esta base, Tatum dio un salto cuantitativo en términos de técnica y teoría, y acuñó un nuevo estilo que influiría enormemente en la obra de pianistas posteriores, comoThelonious Monk, Oscar Peterson y Chick Corea, además de otros tan alejados de su ámbito geográfico como el pianista invidente catalán Tete Montoliu. A diferencia de la mayoría de músicos de jazz, Tatum raramente abandonó las líneas melódicas originales de las canciones que tocaba, y prefería rearmonizarlas de forma innovadora, cambiando las progresiones de acordes asociadas a las melodías. Los conceptos armónicos de Tatum estaban por delante de su tiempo en los años 30, y serían explorados por los músicos de la era bebop veinte años más tarde. Tenía también inclinación por rellenar los espacios interiores de las melodías con notas de adorno, lo que algunos críticos consideraban gratuito y "antijazzístico". Visto con imparcialidad, las notas y frases de estos adornos constituían declaraciones musicales genuinas y apreciables tanto por el público de jazz como por la audiencia clásica. Los admiradores de Tatum consideran que esta pirotecnia es un componente vital de su música.

Tatum tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, en parte porque relativamente pocos músicos podían seguir su rápido tempo y su avanzado vocabulario armónico. A principios de los años cuarenta formó un trío con el contrabajista Slam Stewart y el guitarrista Tiny Grimes (1916 - 1989). Durante el corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 r.p.m. que muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos hasta la fecha. Sin embargo, el mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida brillantez técnica y una prodigiosa memoria para plasmar una fonoteca de obras maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante ornamentación.

A diferencia de los grandes del jazz Louis Armstrong, Miles Davis y John Coltrane, cada uno de los cuales dio origen a una legión de devotos emuladores, ninguna escuela de clones nació de Tatum, quizás a causa de la dificultad de copiar su forma de tocar. Como resultado, aunque ha sido una gran influencia en el mundo del jazz, Tatum es prácticamente desconocido para el público actual.

Erroll Garner

Erroll Garner nacido en Pittsburgh el 15 de junio de 1921 fue un pianista estadounidense de jazz, estilísticamente encuadrado en el swing y el bop. A pesar de no saber leer música, fue un músico sofisticado y popular, que mantuvo su estilo inalterado hasta el final de su carrera.

Sus primeros trabajos fueron en el medio radiofónico a los diez años de edad y en algunos clubes de Pittsburgh. Se trasladó en 1944 a Nueva York y tocó con el trío de Slam Stewart entre 1944 y 1945, para después trabajar de forma independiente. En 1947 acompañó a Charlie Parker en el tema "Cool Blues". A comienzos de los cincuenta era ya un pianista popular por la accesibilidad de su música. Se retiró por motivos de salud a comienzos de 1975.

Su composición "Misty" se convirtió en un estándar del jazz. Garner trabajó para discográficas como Savoy, Mercury, RCA, Dial, Columbia, EmArcy, ABC-Paramount, MGM, Reprise y su propio sello Octave.

Thad Jones

Thaddeus Joseph Jones nació en Pontiac el 28 de marzo de 1923 fue un trompetista, cornetista y compositor/arreglista estadounidense de jazz mejor conocido por Thad Jones. Su trayectoria se ajusta estilísticamente a los periodos del bop y del hardbop, aunque se mantuvo siempre próximo al mainstream.

Thad Jones (hermano de los otros músicos de jazz, Hank Jones y Elvin Jones) tuvo una carrera muy productiva. Autodidacto en el aprendizaje de la trompeta, empezó a tocar profesionalmente cuando tenía 16 años con Hank Jones y Sonny Stitt. Tras el servicio militar (1943-46), Jones trabajó en bandas regionales en el Midwest. Durante los años 1950-1953 actuó regularmente con el quinteto de Billy Mitchell en Detroit e hizo unas pocas grabaciones con Charles Mingus (1954-1955). Jones se hizo conocido durante su larga etapa con la orquesta de Count Basie (1954-1963). Mientras estuvo en ella, Jones tuvo la oportunidad de escribir algunos arreglos y tras 1963 ejerció como arreglista de forma individual.

Se unió al grupo directivo de la CBS, colideró un quinteto con Pepper Adams y hacia finales de 1963 organizó una big band con el batería Mel Lewis que desde febrero de 1966 tocó todos los lunes por la noche en el Village Vanguard. Durante la década siguiente, la orquesta se hizo famosa y permitió seguir escribiendo a Jones. Compuso un estándar ("A Child Is Born") además de varios temas interesantes como "Fingers", "Little Pixie" y "Tiptoe". En 1978, Jones sorprendió a Lewis abandonando el grupo y yéndose a Dinamarca, hecho que nunca explicó. Escribió para orquestas de radio y lideró su propio grupo llamado Eclipse. A finales de 1984, Jones lideró la orquesta de Count Basie pero en un año la enfermedad le retiró.

Horace Silver

Horace Ward Martin Tavares Silver nació el 2 de septiembre de 1928 fue un pianista y compositor estadounidense de jazz. Se trataba de uno de los músicos pioneros del hard bop en los años cincuenta, y uno de los artistas más populares e influyentes en la corriente principal del jazz contemporáneo gracias a su estilo terso, imaginativo y muy funky. Trabajó también dentro de la fusión.

Algunos de los que serían los músicos más influyentes de las décadas de 1950, 1960 y 1970 iniciaron su carrera a la sombra de Silver, artistas como Bennie Maupin, Junior Cook, Hank Mobley, Blue Mitchell y Louis Hayes, Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson y los Brecker Brothers. Incluso, miembros destacados de la vanguardia jazzística como Cecil Taylor y el trompetista Dave Douglas han sido influenciados por él.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica de Cabo Verde, que pudo escuchar de su padre, oriundo de Portugal. Más tarde, tras empezar a tocar el piano y el saxofón en el instituto, Silver se situó bajo el influjo de los cantantes de blues y de los pianistas de boogie-woogie y de bop como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford con una sección rítmica compuesta por Silver, el batería Walter Bolden y el bajo Joe Calloway. Getz quedó tan impresionado que contrató al trío y Silver se trasladó con él a Nueva York. Silver quería trabajar con Getz durante un año, pero no lo consiguió y a continuación empezó a trabajar de forma independiente por la ciudad con músicos de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952, grabó con Lou Donaldson para Blue Note lo que le permitiría grabar sus primera sesiones como líder. En 1953 unió fuerzas con Art Blakey y editaron Horace Silver and the Jazz Messengers, disco fundamental en la evolución del hard bop. Muchos de los temas escritos por Silver para el mismo ("The Preacher", "Doodlin'", "Room 608") se convirtieron en clásicos del jazz.

En 1954, forma parte de la banda de Miles Davis y aparece en cuatro álbumes grabados en ese año (aunque algunos fueron publicados más tarde): Miles Davis Volume 1 (1954, Blue Note), Blue Haze (1956, Prestige), Walkin' (1957, Prestige), Bags' Groove (1957, Prestige). Hacia 1956, Silver había abandonado a los Messengers para grabar por su cuenta. Los discos que grabaría a continuación para Blue Note le consolidarían como uno de los más importantes compositores y pianistas del jazz; se trata de discos como Blowin' the Blues Away y Song for My Father (los dos grabados con el trompetista Blue Mitchell y el saxo tenor Junior Cook), que presentan unas composiciones de Silver para grupos pequeños armónicamente sofisticadas y formalmente elaboradas. Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta la decadencia del sello a finales de los setenta, en que empezó a trabajar para su propia compañía, Silveto. Durante los ochenta comenzó a escribir letras para sus composiciones y su música se aproximó a intenciones espirituales, como ejemplifican títulos como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los noventa, Silver cerró su sello y comenzó a grabar para Columbia, con la que retomó posiciones de popularidad en el mundo del jazz.

Thelonious Monk

El pianista y compositor de jazz Thelonious Sphere Monk nació el 10 de octubre de 1917 en Carolina del Norte. Es conocido por su estilo único de improvisación, así como por haber compuesto varios estándares de jazz como "Round About Midnight", "Straight No Chaser", "52nd Street Theme" y "Blue Monk". Junto con Bud Powell y Charlie Parker inventa el nuevo sonido de la música de Jazz conocido como Bebop, tocó también bajo el influjo del hard bop y del jazz modal. Comenzó a tocar el piano a la edad de seis años y, aunque recibió alguna educación musical, fue esencialmente un autodidacta; sus primeras influencias fueron dos de los grandes pianistas de corte stride, James P. Johnson y Willie "The Lion" Smith. Durante su adolescencia comenzó a trabajar en algunos rent parties tocando el órgano y el piano en la iglesia bautista. Estudió en el instituto Stuyvesant, si bien nunca llegó a graduarse.

En 1935, decidió irse de viaje a recorrer el mundo acompañando con el piano a un predicador evangelista. Después de dos años, regresó a su ciudad y formó su propio cuarteto, actuando en diversos clubes hasta que en 1941 el baterista Kenny Clarke lo eligió como pianista de la casa para tocar en el Minton's Playhouse, el legendario club de Manhattan en el que se engendraría el bebop. Su estilo en la época es descrito como "hard-swinging", con marcadas influencias de Art Tatum, Duke Ellington, James P. Johnson y otros pianistas. Durante su estancia en Minton's, Monk fue perfeccionando su estilo único, participando en sesiones llamadas "cutting competitions", con los más renombrados solistas de la época. Durante esos años, Monk entró en contacto con músicos como Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Miles Davis, Sonny Rollins, Milt Jackson y John Coltrane, que estaban sentando las bases del bebop. En 1944 realizó sus primeras grabaciones con el Coleman Hawkins Quartet. En 1947 grabó por primera vez como líder de su propia banda, y publicó su LP de debut, Genius of Modern Music, Vol. 1, que mostraba su talento tanto para la composición como para la improvisación. Ese mismo año se casó con Nellie Smith, y en 1949 el matrimonio tuvo un hijo, T.S. Monk, que sería baterista de jazz. Su hija Barbara nació en 1953.

En agosto de 1951, fue arrestado por la policía de Nueva York, acusado de posesión de narcóticos, pues se negó a denunciar a su amigo, el también pianista Bud Powell, al que presumiblemente pertenecía la droga. Se le retiró el permiso para actuar en locales nocturnos en que se despachase alcohol (una autorización, el "New York City Cabaret Card", que era expedida por la policía). Pasó la primera mitad de los años 50 componiendo, grabando discos y actuando en teatros y giras fuera de la ciudad. Tras grabar varios discos para Blue Note entre 1947 y 1952, firmó un contrato con Prestige, para la que grabó entre 1952 y 1954 algunos de sus discos más importantes, incluyendo colaboraciones con el saxofonista Sonny Rollins y con el baterista Art Blakey. El productor Orrin Keepnews, de Riverside Records, le persuadió de que grabase un disco con temas de Duke Ellington y otro con estándares, para que su música se hiciese más accesible al público medio de jazz. En 1956 grabó el clásico Brilliant Corners y a partir del año siguiente los cambios en su vida se sucedieron.

Monk fue contratado por el Five Spot y allí formaría parte de un cuarteto que contaría con el saxofonista John Coltrane. Como consecuencia de estas actuaciones, la crítica y el público de jazz lo reconocerían por fin como un maestro. El hasta entonces carácter único de su música, que tan difícil era de asumir por una audiencia que tenía como modelo a Bud Powell, se convirtió en 1957 en un motivo de admiración. De repente, Monk se convirtió en una celebridad y su estatus no cambiaría hasta el final de su carrera. En 1959, su cuarteto contó con la participación del saxofonista tenor Johnny Griffin en 1959 apareció con una orquesta en el Town Hall; en 1962 firmó con Columbia y dos años después fue portada de la revista Time. Un segundo concierto con orquesta fue celebrado en 1962, resultando mejor que el primero, por lo que Monk estaría constantemente de gira durante los años sesenta con su cuarteto, ahora con el tenor Charlie Rouse. Tocó con los Giants of Jazz durante 1971-1972, y en 1973, repentinamente, se retiró. Monk padecía de una enfermedad mental y, aparte de unas apariciones especiales a mediados de los setenta, vivió recluido el resto de su vida.

Bix Beiderbecke

Leon Bismark Beiderbecke, "Bix" Beiderbecke, nace el 10 de marzo de 1903, cornetista estadounidense de jazz tradicional. Una de las primeras figuras de la historia del jazz y uno de sus grandes innovadores. Situado en plena época del swing, poseía un elegante y distintivo tono, y un espectacular y original estilo de improvisación. Fue el rival blanco de Louis Armstrong en los años veinte, aunque la comparación no es factible debido a las diferencias de estilo y sonido entre los dos.

Influenciado por Nick La Rocca, a quien escucha tocar, Beiderbecke se dispuso a dedicarse al jazz, pero sus padres consideraron tal dedicación una frivolidad; fue enviado a la academia militar Lake Foresten 1921, que afortunadamente se hallaba cerca de Chicago, el centro del jazz en esa época. Beiderbecke fue expulsado por sus reiteradas inasistencias a clase. Tras un breve periodo en casa, se convirtió en músico profesional. En 1923, Beiderbecke se convirtió en el cornetista estrella de los Wolverines y un año más tarde empezaría a grabar con el grupo.

A finales de 1924, abandonó el grupo para unirse a la orquesta de Jean Goldkette pero su incapacidad para leer música le obligó a abandonar. En 1925, estuvo en Chicago intentando aprender a leer música. El año siguiente estuvo con la orquesta de Frankie Trumbauer en San Luis. Enganchado ya al alcohol, no obstante 1927 sería el año más importante para Bix. Trabajó con la orquesta de Jean Goldkette, grabó su obra maestra al piano, "In a Mist" (uno de sus cuatro originales inspirados en Debussy), grabó algunos temas clásicos con un pequeño grupo liderado por Trumbauer (incluyendo sus grandes solos "Singin' the Blues", "I'm Comin' Virginia" y "Way Down Yonder in New Orleans"), y firmó con la importante orquesta de Paul Whiteman.

Con Whiteman, los solos de Beiderbecke tendieron a ser breves momentos mágicos; su brillante coro en "Sweet Sue" es un perfecto ejemplo de ello. Estuvo plenamente productivo hasta 1928, pero al año siguiente el alcoholismo le empezó a crear problemas. Beiderbecke tuvo que descansar, reapareció, y finalmente en septiembre de 1929 fue enviado a Davenport a recuperarse. En 1930 realizó grabaciones intrascendentes, las últimas que haría antes de morir. El 6 de agosto de 1931, Beiderbecke tuvo un ataque de delírium trémens, provocado por su alcoholismo, en su apartamento de Nueva York. Sin nadie alrededor para ayudarle, murió a los 28 años.

Dixieland

El dixieland tiene su etapa en  la década de 1910, es uno de los estilos de jazz-hot con predominio de los instrumentos de metal y de la improvisación. La palabra está formada por dixie (sur) y land (tierra); es por ellos que es el subgénero musical de jazz del sur de los E.E.U.U.

A poco de comenzar el siglo XX, los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones, se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". El nuevo estilo era "menos expresivo, pero con mayores recursos técnicos", con melodías más pulidas y armonías "limpias". Además, se introdujeron el piano y el saxofón, y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas, como el estilo tailgate de los trombonistas. Durante la Primera Guerra Mundial, gente de otros países, sobre todo de Europa tuvo que mudarse a Estados Unidos. La mezcla entre los blancos y negros desarrolló este género, que es producto de la mezcla entre el estilo Nueva Orleans (1890-1910) y la música europea. Por eso en este tipo de música suele predominar la etnia blanca.

Sus principales figuras fueron, en una primera época, el corneta Papa Jack Laine, que se reputa como el "padre del dixieland", el trompetista y cornetista Nick La Rocca y su Original Dixieland Jazz Band; los Louisiana Five de Anton Lada; el trombonista Edward "Kid" Ory; o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. En la década de los 40, el Dixieland disfrutó de un poderoso revival, obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland, de los hermanos Frank y Fred Assunto, y aún hoy en día existen bandas con nombres como Tuxedo Jass Band, Onward Jazz Band, Canal Street Jazz Band o Bohème Ragtime Band.

En el dixieland, tres instrumentos destacan sobre los demás: la tuba, la corneta y el piano. El ritmo y la base armónica corren a cargo de la batería, el bajo, el clarinete y el trombón, aunque muchas veces toman un papel protagonista (interpretado solos improvisados). En el dixieland se desarrollaron técnicas instrumentales específicas, como el estilo tailgate de los Trombonistas.

Generalmente este tipo de música se toca en la calle, incluso se utilizaba para desfilar. En algunas ocasiones, los instrumentos más pesados e imposibles de trasladar al aire libre, como el piano, el contrabajo, o la batería, se sustituyen por la tuba y otros instrumentos de percusión, como la caja y los platillos. El dixieland, lo tocaban músicos blancos, que imitaban el estilo "Nueva Orleans", que lo tocaban preferentemente músicos negros.

Bunk Johnson

Willie Gary "Bunk" Johnson nació el 27 de diciembre de 1879 en Nueva Orleans, fue un trompetista y cornetista de jazz, una de las primeras figuras de este género cuando empezó a configurarse en esa ciudad a principios del siglo XX. Johnson fue considerado uno de los principales cornetistas de Nueva Orleans entre 1905 y 1915, etapa en la que realizó varias salidas de la ciudad con diversos espectáculos de minstrel y bandas de circos. En 1910 lo encontramos en la Eagle Band de Frankie Dusen, además de con otras bandas de renombre de su ciudad natal.Bunk recibió clases de Wallace Cutchey y Adam Olivier, y comenzó a tocar profesionalmente en la orquesta de este.

A comienzos del siglo XX, según parece, habría tocado con Buddy Bolden, ejerciendo de segundo corneta en su banda, aunque algunas fuentes discrepan y afirman que tocó en una antigua banda de Bolden. Tocó con Clarence Williams hasta que, en 1917, emigra a Chicago y adopta la trompeta como instrumento principal. Toca con Dee Johnson entre 1927 y 1929, y después recorre Texas y Kansas, donde lo encontramos en 1930, tocando con Sammy Price. En 1931 se instala en New Iberia y se dedica a dar clases de trompeta y trombón para alumnos locales.

En 1937 el historiador y musicólogo William D. Russell, guiado por Louis Armstrong, que lo cita como su primera gran influencia, lo rescata del anonimato y realiza sus primeras grabaciones, en 1942.

A raíz de estas, reanuda sus actuaciones por toda la Costa Oeste, y toca con Lu Waters en San Francisco, Kid Ory en Nueva Orleans y Jimmy Ryan y Sidney Bechet en Nueva York. Realiza actuaciones con su propia orquesta y graba nuevos discos, hasta que, en 1948 queda paralízado por un derrame. De las grabaciones de 1942, se deduce un trompetista con perfección de forma y equilibrio dialéctico, de fraseo fresco y virtuoso, de gran belleza aunque de sonido frágil y fatigado. Uno de los grandes del jazz.

Freddie Keppard

Freddie Keppard nació en Nueva Orleans el 27 de febrero de 1890, fue un cornetista de jazz. Se trata de uno de los pioneros del jazz, que llegó a ser proclamado, tras la muerte de Buddy Bolden, como el rey de la corneta.

Con un hermano también músico (Louis, que tocaba la guitarra y la tuba), Freddie, después de probar con varios instrumentos, se decidió por la corneta y así ya a comienzos del siglo XX tocaba en la orquesta de John Brown. En 1906 se convirtió en el líder de la Olympia Band, orquesta que quedó disuelta cuando se trasladó a Los Ángeles en 1914. Se une a la Original Creole Orchestra y realiza varias giras por todo el país; en 1916, dos años antes de disolverse, la orquesta tiene la oportunidad de realizar la primera grabación de una banda de jazz, aunque Keppard renuncia, por miedo a que su estilo sea copiado.

Stomp

Stomp es un tipo de tema musical, con ritmo rápido, cuyo compás se acentúa golpeando el suelo con el pie. Fue muy popular en el jazz tradicional y en la época del Swing. El uso en este tipo de composiciones de una progresión de ocho compases prototípìca, hizo que dicha progresión se conociera igualmente como "stomp progression". La progresión está basada en el último coro de la versión original para piano del tema "King Porter Stomp".

Son numerosos los temas de jazz que incorporan referencias a esta forma "stomp" de llevar el ritmo, siendo los más conocidos de ellos Stompin' at the Savoy, que popularizó Benny Goodman, el ya citado King Porter Stomp, de Jelly Roll Morton, y el tema del violinista Erskine Tate, Stomp Off, Let's Go!, aunque hay muchos otros.

De esta expresión, deriva el término Stomp off, que significa golpear el suelo antes de iniciar un tema, para dar el tempo adecuado.

Foxtrot

El foxtrot o fox-trot es un popular baile estadounidense, que nace en 1912 con las primeras orquestas de jazz. Su nombre significa, literalmente, «trote del zorro» y alude a las primitivas danzas negras que imitaban pasos de animales y en las que se inspiraron los primeros bailarines de foxtrot. Debe su nombre a su creador, un estadounidense llamado Harry Fox. Rápidamente, este baile se convierte en el más popular de Estados Unidos. Cuando llega a Europa, encuentra una fuerte oposición entre los sectores más conservadores, hostiles a cualquier cambio, pero nada pudo impedir que se popularizara también en el viejo continente. A partir del foxtrot original aparecerán dos de las modalidades de los actuales concursos internacionales: el Slow-Fox (fox lento) y el Quickstep (fox rápido). El fox lento se bailaba inicialmente con un tiempo de 48 compases por minuto, número que se fue reduciendo hasta llegar a 32 compases por minuto a finales de los años 20. El Quickstep, en cambio, tiene entre 50 y 52 compases por minuto.

Los años 30 fueron la época dorada de este género, y fue entonces cuando el Slow Fox se introdujo en los bailes Estándar.

Shimmy

El shimmy es un baile de salón que estuvo de moda en torno a los años 1920. Se caracteriza por una postura totalmente rígida del tronco, los codos ligeramente doblados y un movimiento alterno de los dos hombros: al avanzar el hombro derecho, se echa hacia atrás el izquierdo y viceversa, pero sin cambiar la posición de las manos.

Nació en los E.E.U.U. heredando rasgos de los bailes negros de fines del siglo XIX, y fue posteriormente modificado por inmigrantes blancos que veían en él un parecido con las tradiciones gitanas. Tras la Primera Guerra Mundial, se popularizó en Inglaterra, siendo una de las canciones de éxito de 1918 «Everybody shimmies now», cantada por Sophie Tucker y por Mae West. Otras bailarinas célebres fueron Gilda Gray, apodada «la reina del shimmy», y Frances White.

Dice una anécdota que, cuando se le preguntó a Gilda Gray, inmigrante polaca, sobre su estilo de baile, contestó «I'm shaking my chemise» («Agito mi camisa») con un fuerte acento. Sin embargo, en una entrevista, Gilda negó haber dicho esto, y, además, se han registrado usos anteriores de este término. A finales de los años 1910, se atribuyó la invención de la palabra shimmy a otras personas tales como Bee Palmer y Mae West.

Black Bottom

El Black Bottom es un baile que se relaciona con el jazz tradicional, tuvo una gran difusión a comienzos del siglo XX, especialmente entre los bailarines negros del sur de E.E.U.U. Su origen se sitúa en la zona portuaria de Nashville, Tennessee, llamada popularmente Black bottom, aunque se hizo público en Atlanta, Georgia y se difundió a través de los espectáculos de minstrels.

El primer tema de black bottom conocido, fue compuesto por Perry Bradford en 1907, y se llamaba originalmente "Jacksonville rounders dance". Su éxito se consolidó cuando logró imponerse en los salones de baile blancos, tras su inclusión en una revista musical llamada "The George White scandal of 1926", interpretada por la cantante y bailarina Ann Pennington, quien lo había aprendido de un bailarín negro llamado Freddie Taylor. También contribuyó la composición de Jelly Roll Morton titulada, precisamente, "Black bottom stomp" (1925).

Cisma

El cisma es una palabra que significa división, discordia o desavenencia entre los individuos de una misma comunidad. Esta separación se produce en el seno de una organización (un partido político, una iglesia, etc.) o de un movimiento cultural, cuando algunos de los individuos que forman parte de ella la abandonan porque no están de acuerdo con la ideología o doctrina dominante en el seno de dicha organización o movimiento.

Esperanto

Lengua creada artificialmente en 1887 por Zamenhof con la idea de que sirviera como un sistema de comunicación universal.

Storyville

Storyville, fue el nombre con el que se conoció un distrito de la ciudad de New Orleans, en Louisiana, entre 1897 y 1917. Fue declarada por las autoridades municipales como una zona de prostitucion tolerada. Este distrito estaba ubicado a un lado del Barrio Francés y pronto se convirtió en el lugar de diversión de Nueva Orleans. De hecho, el barrio (y la prostitución) se convirtieron en un negocio floreciente, con la apertura de cientos de establecimientos que ofertaban música. También colindaba con una zona llamada Tango Belt, en donde se podían encontrar las grandes salas de espectáculos; todo esto generó trabajo para un gran número de músicos, pianistas, cantantes y bandas. Storyville se convirtió así, en el motor de la nueva música. 

La música que dominaba eran ritmos como el ole, el down-to-earth, los low-down-blues, el hot en definitiva. Muchas de las orquestas del primitivo jazz tomaron su nombre de los locales en los que estaban contratadas (Tuxedo Brass Band, por ejemplo) y mucho de los temas clásicos de jazz, se referían a locales o lugares de Storyville: Royal Garden Blues, Mahogany Hall Stomp, Basin Street Blues... Entre los músicos más reputados de Storyville, se encuentran Buddy Bolden, Manuel Pérez, Big Eye Nelson, Bunk Johnson, Tony Jackson, Jelly Roll Morton, Richard M. Jones y muchos más. De los personajes no músicos, sin duda el más importante fue Tom C. Anderson, mafioso y propietario de una cadena de locales en el distrito.

En 1917, en plena Primera Guerra Mundial, el Comando de la Marina de los EEUU ordenó el cierre del barrio, preocupado por las peleas, los robos e incluso los homicidios en que se veían implicados o resultaban víctimas, los marineros en sus salidas de vía libre. A pesar de la oposición del gobierno local, Storyville dejó de existir el 12 de noviembre 1917.

Poco después se procedió a su demolición, sustituyéndolo por un proyecto urbanístico denominado Iberville. Ello supuso, naturalmente, el cierre de la mayor parte de los establecimientos y la desaparición del trabajo para un gran número de músicos. Precisamente en esta época, se produce la gran emigración de músicos de jazz hacia Chicago y Nueva York, lo que produjo cambios importantes en el desarrollo del jazz tradicional.

Fonógrafo

El fonógrafo es un aparato para registrar y reproducir el sonido que consiste en un cilindro donde una aguja, conectada a una lámina sensible, inscribe las vibraciones de los sonidos; al girar el cilindro, de modo que la aguja se deslice encima de las incisiones, pone en vibración la lámina y reproduce los sonidos.

El fonógrafo fue el dispositivo más común para reproducir sonidos grabados desde la década de 1870 hasta la década de 1880. El fonógrafo fue inventado por Thomas Alva Edison, Eldridge R. Johnson y Émile Berliner.

Waring's Pennsylvanians

Los Waring's Pennsylvanians fueron un grupo de banda y coro, muy popular en los años 20's. y 30's. continuando su carrera musical hasta la muerte de Fred Waring en 1984. Se formó en 1918 como una banda en la Universidad Estatal de Pennsylvania por los hermanos Fred y Tom Waring y sus amigos Freddy Buck y Poley McClintock. Comenzaron tocando en colegios, fiestas de fraternidades, graduaciones, etc. para después realizar presentaciones en teatros. Su gran éxito fue en 19252 con la canción "Collegiate" (probablemente su canción más conocida). Otras de sus populares canciones fueron "I've Never Seen a Straight Banana" y "I Wonder How I Look When I'm Asleep".

 

Se popularizaron a finales de 1920. Protagonizaron una pelicula llamada Syncopation, lanzada por RKO Radio Pictures, 

Pianola

La pianola es un instrumento musical parecido a un piano pequeño, que se acciona mecánicamente con pedales o bien mediante la corriente eléctrica, sin necesidad de que una persona lo toque.

Las pianolas contaban con un sistema mecánico similar al de un piano, de hecho podían tocarse como tales, pero contenían a su vez un mecanismo neumático que permitía la reproducción de piezas musicales por medio de la lectura de las perforaciones realizadas en unos cartuchos especiales, los célebres piano rolls.

Las pianolas permitían “interactuar” con el piano roll, pudiendo el usuario tocar a la vez que sonaba la música grabada. Al igual que sucedió con las cintas de audio y con los discos de vinilo, o más tarde con los discos compactos, se expandió un impresionante mercado depiano rolls por medio mundo, llegándose a fabricar decenas de miles de grabaciones.

Mark Tobey

Mark George Tobey fue un pintor expresionista abstracto estadounidense nacido el 11 de diciembre. Es el más destacado entre "los pintores místicos del Noroeste". Fue fundador de la Escuela del Noroeste junto a Guy Anderson, Kenneth Callahan, Morris Graves y Willem De Kooning.

En 1911 se marcha a Nueva York, ahí trabajó como retratista y delineante de una casa de modas. Su primera exposición fue en 1917 en la galería de Knoedler. En 1918 se convirtió al bahaísmo. En 1923 conoce a Teng Kuei, estudiante y pintor chino, el cual lo inicia en la caligrafía china. Regresa a Seattle en 1928 y participa en la fundación de la "Free and Creative Art School". En 1929 Alfred Barr presentó sus obras en el Museo de Arte Moderno de NY.  En 1934, para estudiar caligrafía y pintura, vivió en China con Teng Kuei y luego pasó a Japón donde vivió en un monasterio zen de Kioto. En 1935, de regreso en Inglaterra, pintó varias telas "Broadway", "Welcome Hero", con una escritura blanca, la cual seria caracteristica esencial de su obra y que, segun la crítica, tuvo influencia decisiva en la evolucion de Jackson Pollock.

Los escritos blancos (White Writings) de Tobey, se caracterizan por ser una red de finos signos caligráficos, que poco a poco se van haciendo cada vez más abstractos e ininteligibles. Estas obras de gran sensibilidad son la mejor expresión de su estilo de vida introspectivo y meditativo; el cual contrasta con la expresividad propia de la action painting.

En 1938, hace su primera composición musical. En 1939, estudia piano y la teoría de la música en Seattle. En 1942, desarrolla su experiencia caligráfica, Recibió en 1956 el Guggenheim International Award. Obtuvo el Gran Premio de pintura en la Bienal de Venecia. En 1959, pintó un fresco para la biblioteca nacional de Washington, se estableció en Basilea en 1960, en 1961, recibió el Primer Premio del Instituto Carnegie de Pittsburgh y expuso en París en el Museo de las Artes Decorativas, entre otros.  

"He buscado un mundo unificado en mi obra y utilizo un vórtice móvil para conseguirlo". Mark Tobey.

Arnold Schöenberg

Arnold Schöenberg nació el 13 de septiembre de 1874 en Viena, fue compositor, teórico musical y pintor de origen judío. Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena.

Planteó una de las grandes revoluciones estéticas del siglo XX convencido de que continuaba la tradición alemana. Le interesaba inscribirse dentro de una tradición cultural arraigada para apoyarse en algo conocido y seguro, antes de saltar al vacío y abandonar definitivamente la tonalidad funcional. Así, llevaría el cromatismo wagneriano a su punto culminante, hasta desintegrar el sistema y crear otro nuevo, basado en reglas muy diferentes, alejadas de la tensión entre armónicos que había reinado durante tres siglos en la música occidental. Sus postulados teóricos, parecidos a los de Stravinsky, tienen diferentes consecuencias: el arte no expresa ni transmite otra cosa que arte. Se trata del arte por el arte. Schoenberg buscaba que cada sonido y cada intervalo entre sonidos tuvieran un valor en si mismos independientemente de su funcionalidad tonal. Su preocupación fundamental fue lograr una concepción que estuviera caracterizada por las ideas de integridad y totalidad.

Su música deja de situarse en el sistema tonal mayor-menor a partir de 1908, es decir, que a partir de ese momento su música se vuelve atonal (Cuarteto para cuerda nº 2). Schönberg rechazaba esta denominación, y prefería el término “politonal”. Más tarde, los conceptos de “atonal” y “atonalidad” se impusieron. Sin embargo, son aún muy discutidos en la música, y no deben considerarse sinónimos. Esta fase, conocida como la “Libre atonalidad”, condujo las ideas de Schönberg sobre composición a un callejón sin salida, ya que necesitaba nuevos catálogos de material y de reglas para cada nueva composición. Luego de numerosos intentos, escribió a su discípulo Josef Rufer en julio de 1921: “Hoy he realizado un descubrimiento que asegurará la supremacía de la música alemana durante los próximos cien años”.

En 1921, Schönberg desarrolló en Modling su “Método de composición con doce sonidos”, también conocido como “dodecafonía”. Este método nació independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene algunos conceptos en común con el método de Schönberg, como la división hexacordal, que Hauer llamaba "Tropo", pero sin la solidez constructiva de la interválica del de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por algunos de sus discípulos, especialmente por A. Webern, con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky. Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la Suite en estilo antiguo (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43 (1943), volvió a emplear el sistema tonal.

Entre 1906-1912, así como en 1913, Schönberg se dedicó con esmero a la pintura. En vida, sus cuadros ya habían formado parte de diez exposiciones, entre las que se cuenta la exposición El Jinete Azul, iniciada por su colega y amigo Vasili Kandinski. Muchas declaraciones críticas, a despecho de su diletantismo, brindaron a las obras escultóricas un mayor significado a partir de su muerte. Schönberg ocupa en la actualidad, por su propio mérito, una posición entre los principales pintores de la época como Oskar Kokoschka, Egon Schiele, Richard Gerstl, Gustav Klimt, Max Oppenheimer y Albert Paris Gütersloh.

Jackson Pollock

Su nombre completo era Paul Jackson Pollock, nacido el 28 de enero de 1912, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Reconocido por su peculiar técnica del dripping, la cuál adoptó en el año de 1947; esta técnica consistia en colocar en el suelo el lienzo y sobre él dejar gotear la pintura, la cuál manipulaba después con palos u otras herramientas, 

Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa y larga de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres.

En el año 2000 un filme basado en la vida de Jackson Pollock, Pollock, dirigido y protagonizado por Ed Harris, ganó un premio de la Academia.

Sonny Rollins

Sonny Rollins nació en Nueva York el 7 de septiembre de 1930, es un músico de jazz, saxofonista tenor y compositor. Su estilo es el bop y el hard bop, aunque siempre se ha notado la presencia de Coleman Hawkins (por su sonido denso y voluminoso) y el de Charlie Parker (por la libertad de improvisación). Es considerado junto a Coleman Hawkins, Lester Young, Dexter Gordon y John Coltrane uno de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz. 

Inició como intérprete de piano, para luego centrarse en el saxo, primero en el alto y luego ya premanentemente en el tenor a partir de 1946. Realizó en 1949 su primera grabación con el vocalista Babs Gonzales. Obtuvo un gran éxito con sus grabaciones con J.J. Johnson y Bud Powell. El talento como saxofonista de Rollins fue evidente desde sus comienzos, y así consiguió tocar con Miles Davis en 1951 y con Thelonious Monk. Tras un periodo de retiro, Rollins se unió al Max Roach-Clifford BrownQuintet a finales de 1955, continuando tras la muerte de Brown hasta 1957. Desde ese momento, desempeñó funciones de líder en sus grupos.

Sus grabaciones para Prestige Records, Blue Note Records, Contemporary y Riverside Records durante los años cincuenta le llevaron a ser aclamado como el mejor saxofonista tenor de la época, al menos hasta la irrupción en escena de John Coltrane. Se retiró de nuevo entre 1959 y 1961 (época en que se hizo mítica su estampa de intérprete solitario sobre el puente de Williamsburg) y regresó con un cuarteto que incluía a Jim Hall, hasta que en 1968 decidió retirarse de nuevo. Con su regreso en 1971, Sonny Rollins se mostró más abierto a las influencias de los ritmos del R&B y de la música pop.

Cuatro de sus composiciones, "St. Thomas", "Oleo", "Doxy", y "Airegin" están considerados estándares de jazz

Opus

Palabra en latín que significa obra.

Pisanello

Pisanello, de nombre real Antonio di Puccio Pisano o Antonio di Puccio da Cereto; erróneamente llamado Vittore Pisano por Giorgio Vasari, fue un pintor y medallista cuatrocentista italiano. Los humanistas de su época lo aclamaron, lo mismo que poetas como Guarino da Verona. Porcellio le comparó con nombres tan ilustres como los de Cimabue, Fidias y Praxíteles. Pisanello es conocido sobre todo por sus espléndidos frescos de grandes dimensiones, poblados de muchas pequeñas figuras caracterizadas por la brillantez del color y la precisión del trazo. También hizo elegantes retratos, pequeñas pinturas de caballete, y muchos dibujos brillantes.

Se dedicó también a labores de joyería u orfebrería, realizando medallas conmemorativas, siendo el autor más importante de este género de la primera mitad del siglo XV. A lo largo de su vida, Pisanello fue conocido sobre todo por sus medallas. Fue copiado muchas veces por generaciones posteriores. Este arte decayó cuando se apartó del arte de Pisanello. Antes de él, las medallas eran como monedas sin estrenar. Pisanello, por su parte, fundió sus medallas como un bajorrelieve de bronce, mostrando claramente la obra de un pintor y un maquetista. Incluso firmó sus medallas con Opus Pisani pictoris (hecha por el pintor Pisano). Desde su punto de vista, los retratos de sus medallas igualaban a los retratos de sus pinturas. Incluso añade alegorías en el reverso de sus medallas, como el unicornio en la medalla de Cecilia Gonzaga, señalando así el noble carácter de la princesa. En estas medallas se representaban las efigies de los comitentes del artista. Muchas de sus obras fueron atribuidas erróneamente a otros artistas como Piero della Francesca, Alberto Durero y Leonardo da Vinci, por señalar unos pocos. Mientras que la mayor parte de sus pinturas han desaparecido, buena parte de sus dibujos y medallas han sobrevivido.

Sus dibujos son generalmente valorados como joyas del Quattrocento, y sn maravillosos ejemplos de las elegantes vestimentas de la época, incluyendo espectaculares sombreros. En contraste con sus contemporáneos, sus dibujos no son esbozos de pinturas futuras sino obras de arte autónomas. Compiló varios libros de dibujo, detallados y adecuados estudios de fauna y flora con poético naturalismo, y elegantes ropas.

Claraboya

1. Una claraboya es una ventana abierta en el techo o en la parte alta de las paredes, por donde entra la luz. (Tragaluz).

   
   

   

Jelly Roll Morton

Ferdinand Joseph LaMenthe, mejor conocido como "Jelly Roll Morton", fue un pianista, compositor y cantante nacido, probablemente, el 20 de septiembre de 1885 en Gulfport, Luisiana. No obstante, algunos autores estiman que nació en Nueva Orleans, el 20 de octubre de 1890, y que su nombre familiar era LaMothe y no LaMenthe. Morton pertenecía a la pequeña burguesía de los criollos de Nueva Orleans, donde se educó, y se presentó a sí mismo como el inventor del jazz en una carta enviada a la revista Down Beat, en 1938.

Entre 1912 y 1922 recorre toda América del Norte cantando y tocando el piano. Ese año vuelve a Chicago y forma una banda, grabando sus primeros registros en solitario o junto a King Oliver. Será entre 1926 y 1930 cuando alcance el cénit de su éxito, junto a sus Red Hot Peppers, que incluían a Kid Ory, Johnny Dodds, John Saint-Cyr, Red Allen, Babby Dodds y otros músicos muy vinculados al estilo Nueva Orleans.

Morton mantuvo su concepto de arreglos basados en las improvisaciones polifónicas colectivas, de fuerte aliento hot, incluso en los años 1930, cuando ya todas la orquestas funcionaban con los arreglos por secciones típicos de las big bands de swing. Deshecha la banda hacia 1930, se convierte en un pianista esporádico de clubs oscuros, hasta que Alan Lomax lo re-descubre tocando en un local de Washington y, ya en 1938, le realiza las valoradas grabaciones de la Biblioteca del Congreso, las primeras desde 1930. En sus dos últimos años de vida volvió a montar una banda, con reducido éxito, a pesar de contar en ella con músicos comoSidney Bechet, Wellman Braud o Zutty Singleton, y con quienes realizó varias grabaciones bajo el nombre de New Orleans Jazzmen.

Como cantante disponía de una voz aguardentosa y estridente, con un fraseo rico e imaginativo, con recursos como el humming o canto con la boca cerrada. Como compositor, un gran número de sus obras se convirtieron en clásicos del jazz: King Porter Stomp, Wolverine blues, Kansas City Stomp... En la composición, manejaba con soltura los recursos tradicionales y folclóricos, especialmente los blues, los rags y los stomps.

Ananas

En pocas palabras: Piñas.

El género Ananas comprende 9 especies aceptadas, de las casi 60 descritas, de plantas de flor de la familia de las bromeliáceas, de las cuales la más conocida y aprovechada es el ananá o piña, Ananas comosus. Las especies de Ananas son aparentemente acaules, con hojas rígidas que crecen formando grandes rosetas basales en forma de corona. Son largas, lanceoladas, con el margen serrado o espinoso. Las flores nacen de un tallo brotado del corazón de la roseta; cada una posee su propio sépalo, y forman una inflorescencia compacta en forma de espiga sobre un tallo axial corto y robusto. Los sépalos se vuelven carnosos y jugosos y se desarrollan hasta formar el fruto compuesto, un sincarpo que incorpora los frutos verdaderos, bayas de reducido tamaño, coronado por una roseta de brácteas.

El término "piña" se adoptó por su semejanza con el cono de una conífera; la palabra ananá es de origen guaraní, del vocablo naná naná, que significa «perfume de los perfumes». Ananas es una latinización que deriva de la anterior.

Piero della Francesca

Piero della Francesca nació en Piero di Benedetto dei Franceschi; llamado también Pietro Borghese, Borgo del Santo Sepolcro, en el valle alto del Tíber, cerca de Arezzo, h.1415; fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Actualmente se le aprecia sobre todo como pintor especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del año 1470. Su pintura se caracterizó por su estilo sereno y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con laperspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.

Piero nació en un año no precisado entre el 1406 y el 1420, en Sansepolcro, que Vasari llama «Borgo San Sepolcro», región de la Toscana. Este territorio fronterizo, a mediados del siglo XV, cambió en diversas ocasiones de soberanía: en un principio estaba en manos de Rímini, después fue de la República de Florencia y más tarde pasó a la posesión del Papado. La fecha de nacimiento se desconoce, porque un incendio en los archivos comunales de Sansepolcro destruyó las actas de nacimiento del registro civil. Un primer documento que menciona a Piero como testigo es un testamento datado el 8 de octubre de 1436, del cual se deduce que el artista debía tener ya al menos la edad prescrita de veinte años para un documento oficial. Según Giorgio Vasari en Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos, Piero, que murió en el año 1492, tenía 86 años en el momento de su muerte, lo que remontaría su fecha de nacimiento al año 1406 pero esta noticia se considera errónea, dado que sus padres se casaron en el año 1413.

El primer artista con el que colaboró fue Antonio de Anghiari, socio de su padre en la fabricación de estandartes, activo y residente en Sansepulcro, como atestigua el 27 de mayo de 1430 un documento de pago a Piero por la pintura de estandartes y banderas con las insignias de la Comuna y del gobierno papal, puestos por encima de una puerta de las murallas. En 1439 está documentado por primera vez en Florencia, donde quizá recibió su verdadera formación, puede ser que estuviera allí ya en torno al año 1435. Para entonces, Masaccio ya llevaba muerto una década. Estuvo de aprendiz con Domenico Veneziano, y se le cita el 7 de septiembre de 1439 entre sus ayudantes en un ciclo de frescos dedicados la Vida de la Virgen en el coro de San Gil (actualmente Santa María la Nuova), hoy perdidos. Conoció a Fra Angélico, gracias al cual tuvo acceso a la obra del difunto Masaccio y también a otros maestros de la época como Brunelleschi. La maestría del arte de la perspectiva, la pintura luminosa y la paleta clarísima y suntuosa de Domenico Veneziano influyeron en Piero, pero también la moderna y vigorosa de Masaccio, lo que dio forma a algunas de las características fundamentales de su obra posterior. Piero conoció las diversas soluciones que elPrerrenacimiento florentino daba a los problemas de la representación del cuerpo humano y de cómo reflejar el espacio tridimensional sobre una superficie bidimensional. Por un lado seguía vigente el linearismo y el lirismo de Fra Angélico, Benozzo Gozzoli o Filippo Lippi, y por otro, estaba el realismo geométrico de Paolo Uccello. Piero aprendió cómo lograr representar una luz atmosférica, añadiendo una gran proporción de aceite en las mezclas de color. La primera obra que se conserva es la Virgen con Niño, actualmente en la florentina Colección Contini Bonacossi, atribuida por vez primera a Piero en el año 1942 por Roberto Longhi, que data en los años 1435-1440, cuando Piero aún trabajaba como colaborador de Domenico Veneziano. En la parte posterior de la tabla está pintado un vaso, como ejercicio de perspectiva. Otras obras de madurez son la Virgen del parto (1455-1465) y La resurrección de Cristo (1450-1463). La Virgen del Parto la realizó en tan sólo siete jornadas, para la capilla de la antigua iglesia de Santa María de Nomentana del cementerio de Monterchi, aldea vecina de Sansepolcro y de la que era originaria su madre. El modelo iconográfico, laVirgen del Parto, no era muy frecuente. Empleó materiales de alta calidad, como una cantidad considerable de azul marino que se obtenía a partir de lapislázuli importado. En esta obra puede apreciarse la obsesión de Piero por la simetría, que le lleva a colocar a dos ángeles idénticos, uno a cada lado de la Virgen, utilizando el mismo cartón. La resurrección de Cristo, por su parte, es obra notable al utilizar diversas perspectivas. Fue pintada en Arezzo, cerca de su ciudad natal, al tiempo que trabajaba en los frescos de la Leyenda de la Santa Cruz.